sábado, 18 de junio de 2011

M. Helena Vieira da Silva - (Portugal 1908 - Francia 1992)




  "Un cuadro debe tener corazón, sistema nervioso, huesos, circulación. Debe asemejarse a una persona en movimiento. Es preciso que aquel que mira, se encuentre frente a un ser que le hará compañía, le contará historias, le dará certezas. Porque el cuadro no es evasión, debe ser un amigo que nos habla, que descubre las riquezas que se esconden en nosotros y a nuestra vuelta." Vieira da Silva



martes, 14 de junio de 2011

DOROTHEA TANNING

Nací el 25 de agosto de 1910 en Galesburg, Illinois , soy pintora, ilustradora, escultora y escritora. Mi formación fue totalmente autodidacta, sólo asistí dos semanas a la Chicago Academy of Art, siendo mis primeras obras del más puro estilo academicista. Fascinada por la exposición “Fantastic Art, Dada, Surrealism” (MOMA, 1937), comencé a interesarme por el surrealismo desarrollando un trabajo centrado en juegos y actitudes eróticas de adolescentes, que sitúo en una atmósfera de novela gótica.



También me gustaba diseñar decorados y trajes para ballet y teatro.
Viví en París durante veintiocho años. Conocí al pintor alemán Max Ernst en 1942 y nos enamoramos en una partida de ajedrez, una de nuestras grandes pasiones, con quien me casé cuatro años más tarde. Por estos años realicé decorados y vestuarios para el Ballet de Balanchine. En 1955, me lanzo a la escultura; ejecuto unas esculturas paralelamente a mi obra pictórica; creo humanóides extraños, mitad seres, mitad muebles, extraños fetiches de tela y piel que son simbólos de la violencia y de la ferocidad de los contactos.
Ernst me introdujo en el grupo de los surrealistas. Mi obra más conocida, Eine kleine Nachtmusik (una oscura pintura llena de simbolismo, irónicamente llamada igual que la alegre serenata de Mozart), muestra mis vínculos con el grupo, aunque más tarde mi estilo artístico pasó a ser impresionista.
A partir de los sesentas, centré mi actividad en extraños objetos surrealistas realizados con materiales textiles. Habitación de amigos (Colección Urvater, Bruselas, 1950 – 1952), es un ejemplo claro de mi obra.
Vivo y trabajo en la ciudad de Nueva York donde también escribo poesía, expongo incansablemente mis trabajos en manifestaciones colectivas o exposiciones personales. Mi obra figura en las colecciones de los museos más prestigiosos de Francia y Estados Unidos.

miércoles, 25 de mayo de 2011

Elisabeth Layton (1920-1996)


... El lado derecho del cerebro de los vivos, acompañada mediante la elaboración de imágenes en el espejo de las impresiones y sentimientos,
ha curado totalmente mis 40 años de depresión. Nunca más de ello. . . 
Comencé a dibujar en septiembre de 77
y en julio 78 de repente me dije: "Mi depresión se ha ido."
carta a D. Tomás
(4-3-83)


domingo, 15 de mayo de 2011

Natalia Sergeevna Goncharova (Nagayevo, 1881 - París, 1962)






Las primeras obras de Goncharova están impregnadas del espíritu popular ruso, aunque fraguadas en el lenguaje moderno que había aprendido de las vanguardias artísticas francesas, y en particular de Matisse y de Cézanne. Sus cuadrosneoprimitivos, como el políptico de 1911 titulado "Los evangelistas" (San Petersburgo, Museo Ruso), se caracterizan por un ambiente sobrio e icónico, plasmado mediante formas geométricas. Durante la primera década del siglo veinte, la artista trabajó en el ámbito del arte ruso joven, realizando también ilustraciones de libros y diseños para vestuarios y decorados de teatro. Tras una serie de controvertidas exposiciones, entre las que cabe citar la individual que tuvo lugar en 1910 en la Asociación de la Libre Estética de Moscú, que provocó escándalo, la artista se consagró, como pintora y como propulsora de su teoría, al grupo La cola de caballo, surgido en 1911 a partir de una iniciativa de Larionov; entre sus miembros se contaban figuras tan destacadas como Vladimir Tatlin y Kazimir Malevich. Más o menos por esa misma época el talento de Goncharova empezó a tener resonancia en el extranjero; prueba de ello son las exposiciones en las que participó, tanto en Múnich (en la muestra de Der Blaue Reiter de 1911) como en Londres.
El interés de Goncharova abarca aspectos y géneros del arte visual tan variados como la pintura, la obra gráfica y el diseño decorativo, con una morfología que incluye diversas contaminaciones estilísticas, desde el arte bizantino y el folclore ruso hasta el Cubismo y el Futurismo. Goncharova dio un paso significativo cuando fundó, junto con Larionov, el movimiento denominado Rayismo (en ruso Luchizm), cuyo manifiesto se publicó en 1913 con el título Rayistas y Futuristas. Entre sus obras rayistas de la primera época cabe destacar "Gatos" (1913, Nueva York, Solomon R. Guggenheim Museum), magnífico ejemplo de su nuevo modo de construir el espacio mediante la observación de los rayos de luz que se reflejan sobre la superficie de los objetos.
En 1914 Goncharova y Larionov fueron a París, donde diseñaron el vestuario y los decorados para la ópera-ballet rusa Le Coq d'Or; al mismo tiempo celebraron una exposición en la Galerie Paul Guillaume. Tras una nueva estancia en Rusia (la última y muy breve), la pareja viajó primero por Europa antes de instalarse en 1917 definitivamente enParís, donde pasarían el resto de su vida; en 1938 se les concedió la ciudadanía francesa. Goncharova participó en numerosas exposiciones en el extranjero, presentó obras a los salones parisinos y, junto con Larionov, con el que se casó en 1955, trabajó intensamente como diseñadora de decorados para obras de teatro, ballet y ópera, entre las que cabe destacar El pájaro de fuego de Stravinsky, el ballet Sur le Borysthene deProkofiev y el ballet ruso Bogatyrs de Massine.






domingo, 8 de mayo de 2011

Yayoi Kusama

MUSEO REINA SOFIA

Fechas: 11 de mayo - 12 de septiembre de 2011
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 1


La artista japonesa Yayoi Kusama (Matsumoto, 1928) desempeña un rol crucial en el arte de posguerra desde una posición excéntrica. De un lado, se aproxima al pop, a los nuevos realismos y al feminismo en sus instalaciones y faceta pública; de otro, su empleo de la repetición, del monocromo y de la retícula tienen que ver a la vez con la obsesión y la enfermedad mental. Esta exposición muestra a Kusama como una artista irreductible y esencial en las nuevas narraciones globales del arte contemporáneo.

miércoles, 4 de mayo de 2011

Zinaida Serebriakova (1884-1967)







Ziraida Serebriakova nació en Neskuchnoye (Ucrania) en el seno de una familia muy vinculada al mundo del Arte. Su padre, Yevgeny Nikolayevich Lanceray, fue un reconocido escultor, y su abuelo materno, Nicholas Benois, fue un famoso arquitecto de la Rusia zarista.
Sus trabajos anteriores a la Revolución Rusa tienen un carácter popular y optimista, con una visión muy plástica de la realidad. Con ellos participó en la gran muestra organizada por la Unión de Artistas Rusos en 1910. La revolución de Octubre cambió seriamente la trayectoria vital y profesional de Zinaida debido a la represión sufrida por su familiar. La pintura de Zinaida adopta tintes más pesimitas y se ve obligada a refugiarse en actividades vinculadas al mundo del teatro para sobrevivir.
En el otoño de 1924, Zinaida Serebriakova viaja a París tras recibir el encargo de pintar un gran mural. A partir de ese momento París se convertirá en su lugar de residencia. Entre 1928 y 1930, Zinaida viaja a Marruecos, país que le marcará por su luz y colorido, dotando a la pintura de Zoraida Serebriakova de un nuevo impulso.
Pese a haber adoptado la nacionalidad francesa en 1947, el año 1966 se organizó una gran muestra de la obra de Zinaida Serebriakova en Moscú, San Petersburgo y Kiev. La crítica y el público acogieron con entusiasmo la obra de Zinaida que recibió los mayores elogios.

lunes, 25 de abril de 2011

Tamara de Lempicka (Varsovia, 16-5- 1898 - Cuernavaca, 18-3- 1980)


Una de las artistas más sugestivas del S. XX, más personal y que mayor fuerza de atracción ejerce sobre la mirada de los espectadores. Nacida en Varsovia y de familia acomodada es la representación de la joven sofisticada, rodeada de glamour y elegancia, tan frecuente en los ambientes burgueses de los años veinte, y que ella misma reflejará como nadie en sus obras.Su estilo se definirá muy pronto con unas características muy concretas y además apenas variará a lo largo de su vida, dándole con ello una impronta inconfundible a sus cuadros. Por una parte, hay una clara influencia art decó que otorga a sus obras ese toque elegante y vistoso que las caracteriza, y que además entronca con su propio estilo de vida y los ambientes en los que se movía que eran igualmente sofisticados, como los son las mujeres y los hombres que aparecen en sus lienzos. 





Por otra parte no se puede desdeñar una lejana influencia del cubismo, que si bien no se manifiesta como tal, ejerce su peso a la hora de modelar las figuras, siempre aristadas y de volúmenes muy geométricos, logrando con ello una mayor artificiosidad en sus figuras, que así aún resultan más extrañas y sugerentes. De todas formas, su estilo tan peculiar encuentra también relación con la pintura de algunos pintores renacentistas que como ella, recrean una apariencia de figuras etéreas y cuerpos luminosos, caso de Boticelli o Mantenga. El resultado es una pintura de figuras voluptuosas, de mujeres gráciles y hombres elegantes, de rostros misteriosos y anatomías luminosas, que se recrean en su propia belleza y alientan en el espectador un hálito de sensualidad y a veces de erotismo. Un hermoso referente de los años veinte, con su desenfado y su toque de distinción, con su elegancia decó y su preciosismo. 

jueves, 21 de abril de 2011

AMALIA AVIA - 23 abril 1926




Estudió en la Escuela Peña y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, donde entró en contacto con artistas como Antonio López García, Lucio Muñoz, con el que se casó, y Enrique Gran, con quienes formó la Escuela Madrileña.

En 1959 realizó su primera exposición en en la Galería Fernández de Madrid. Desde los comienzos de su carrera fueron tiempos difíciles para el realismo debido al triunfo de los informalistas. Los temas que más le llamaron la atención fueron los cotidianos y siempre dentro de la figuración. Le gustaba retratar el paisaje urbano de Madrid. En 1978 se le concedió el premio Goya de la Villa de Madrid y en 1983 participó en la Exposición del Realismo en España. En 1997 realizó una gran exposición antológica en el Centro Cultural de la Villa de Madrid.
Su pintura realista afronta temas preferentemente urbanos, reflejando el entorno en el que se mueven nuestras vidas, con una delectación en calles desiertas y llenas de misterio. Gusta de mostrar la belleza de sus edificios con sus fachadas añadas por el paso del tiempo. Detiene el ojo en detalles que a veces nos pasan desapercibidos y que sin embargo están cargados de vida y de realidad cotidiana, como tapias, fachadas de comercios, paredes de interiores de casas, etc.
Entre los numerosos premios obtenidos destacan: el Tercer Premio del Concurso Repesa de 1966, el Tercer Premio en la Bienal de León de 1971 y el Primer Premio Goya de la Villa de Madrid en 1978.
Camilo José Cela dijo de Amalia Avia que es la pintora de las ausencias, la amarga cronista del “por aquí pasó la vida marcando su amargura e inevitable huella de dolor”, como en las novelas de los maestros rusos del siglo XIX.






miércoles, 13 de abril de 2011

MARIE LAURENCIN París, 1883 - 1956








Pintora y grabadora francesa.

A partir de 1903 cursó estudios en la Academia Humbert, donde conoció al pintor y escultor Georges Braque, quien, junto con Picasso, fueron los creadores del cubismo. Marie frecuentó el Bateau-Lavoir, en el barrio de Montmartre, lugar de residencia y de reunión de numerosos pintores y escritores. Pintaba retratos y autorretratos.

Expuso por primera vez en 1907 en el Salón de los Independientes; ese mismo año se convirtió en la compañera y musa del novelista y crítico de arte Guillermo Apollinarie (1880-1918), y con quien mantuvo una relación apasionada y tumultuosa hasta 1912. Participó de todas las manifestaciones del grupo cubista.

Junto a sus retratos, Marie realizó grabados, xilograbados e ilustró obras literarias de numerosos escritores: André Gide y Max Jacob, entre otros. También creó decorados de teatro e hizo vestuarios para los Ballets Rusos: el ballet Las Ciervas (1924), para las compañías de la Opera Cómica y la Comedia Francesa.

domingo, 10 de abril de 2011

Leonora Carrington - Centro Cultural Estación Indianilla de Ciudad de México

México, 6 abr (EFE).- La pintora británica-mexicana Leonora Carrington celebra hoy en México sus 94 años junto a su colega y amigo Gunther Gerzso (1915-2000) con una exposición que mostrará esculturas inéditas de ambos artistas. A partir del próximo sábado y hasta el 11 de junio el Centro Cultural Estación Indianilla de Ciudad de México será el escenario en el que las 10 esculturas más recientes de la Premio Nacional de las Artes 2005 convivirán junto a 21 piezas de Gerzso.


LEONORA CARRINGTON (Lancashire, 6-4-1917)







miércoles, 6 de abril de 2011

Gabriele Münter (Berlin, 1877 - Murnau, 1962)

Pintora alemana perteneciente al movimiento expresionista, tuvo una educación artística con maestros privados y en 1897 asistió a una escuela de arte para mujeres en Düsseldorf. Posteriormente emprendió un viaje de dos años por Estados Unidos con su hermana y al regresar en 1901 se estableció en Múnich, la Academia de Bellas Artes de Múnich no estaba abierta para mujeres, por lo que continuó sus estudios en una asociación femenina de pintura de la ciudad. Pronto se aburrió de la educación en la asociación, por lo que cambió a la progresiva escuela de arte Phalanx, en la que trabajaba Vasily Kandinsky.


Durante su primera estancia en París en 1906/07, Münter ve los cuadros de Henri Matisse y otros fauvistas, lo que cambia su estilo a largo plazo. En 1909 compra una casa en Murnau am Staffelsee donde pasa los veranos con Kandisnky y donde reciben a numerosos artistas del vanguardismo muniqués como Alexei von Jawlensky, Franz Marc, August Macke y el compositor Arnold Schönberg.


Artísticamente, Münter comienza a desarrollar un estilo abstracto propio, con brillantes colores sin mezclar, formas fuertes, todo delineado por oscuras líneas de separación. Se convierte en miembro fundadora de la Neue Künstlervereinigung München (Nueva union de artistas de Múnich) iniciada por Kandinsky y que incluía el núcleo de los artistas del Blaue Reiter.
En 1937 los nazis le prohiben exponer, por lo que se retira de la vida pública. Durante la Segunda Guerra Mundial Gabriele Münter escondió más de 80 obras de Kandinsky y otros miembros del Blaue Reiter, además de obras propias, salvándolas de la destrucción. Estas pinturas se las regaló en 1957 a la ciudad de Múnich, donde ahora son exhibidas en la Lenbachhaus, que de golpe, se convirtió en un importante museo. Su casa en Murnau am Staffelsee es hoy en día también museo




viernes, 1 de abril de 2011

Sonia Delaunay (Odesa, 1885 - París, 1979)

Pintora y diseñadora francesa de origen ruso, casada con Robert Delaunay. Inspirada en las formas del cubismo y en los colores de Paul Gauguin, Vincent van Gogh y los orfistas, desarrolló, a partir de 1910, un estilo basado en la yuxtaposición o contraste simultáneo de colores puros rotos en prismas. Expuso pinturas, telas y encuadernaciones realizadas con esta técnica y también diseñó vestuarios para teatro. En la década de 1920 se dedicó al diseño de ropa y a sus telas pintadas a mano con colores brillantes que revolucionaron el diseño textil. Después de 1940 su estilo se volvió más delicado y sencillo, sobre todo en los gouaches, donde sus experimentos cromáticos alcanzaron nuevas cotas de refinamiento. En 1964, el Museo Nacional de Arte Moderno de París recibió una donación de 58 obras suyas, que fueron expuestas en el Louvre, con lo que se convirtió en la primera mujer que, en vida, vio sus cuadros expuestos en ese museo





miércoles, 30 de marzo de 2011

PAULA REGO

Paula Rego (Lisboa, 1935) es una pintora de historias. De historias extrañas e inquietantes en las que salen a relucir los impulsos más oscuros del subconsciente a través de escenas con animales y niños (más bien niñas) perversos. En el fondo son fábulas de un humor tragicómico. Vive desde hace más de tres décadas en Londres y según ella misma dice en Londres parecían no saber lo que yo hacía o no lo entendían o, simplemente, no les gustaba. Así es que me tomó mucho tiempo darme a conocer. Mientras tanto seguía dibujando. Es una pena, pero fue así. Durante los años sesenta, cuando hacía una especie de collages, mi trabajo estaba un poco más cercano a lo que se hacía en el momento. Pero yo no puedo hacer arte conceptual. Sólo puedo hacer lo que hago y lo que he hecho. Y eso es dibujar. Todo lo que hago está relacionado con el dibujo. A fines de los años setenta y principios de los ochenta todo cambió porque hubo un renovado interés por la pintura. Lo bueno ahora es que tienes arte conceptual, fotografía, vídeo, pintura, y todos conviven. Hoy puedes hacer lo tuyo sin problemas

viernes, 18 de marzo de 2011

DADA-PUPPEN

HANNAH HÖCH


Hannah Höch (1889-1978), Dada-Puppen, 1916/1918 Textiles, cardboard and beads: H 55.8 / 57.5 cm Berlinische Galerie. Landesmuseum für Moderne Kunst, Fotografie und Architektur. Acquired with funds of the Stiftung DKLB, Berlin 1979 © 2008 ProLitteris, Zürich. © Photo: Archives of the Berlinische Galerie and Markus Hawlik

martes, 15 de marzo de 2011

Lee Krasner


Lee Krasner(1908-1984) fue una de las principales representantes del Expresionismo Abstracto norteamericano de mediados del S. XX. Comenzó su formación a edad muy temprana en la Washington Irving School, pasando poco después a la Women’s Art School y a continuación a la Art Students League y la Nacional Academy of Design, con lo que completó una sólida formación. La obra de Krasner tiene dos etapas claramente definidas, cuya frontera se halla lógicamente en su relación con Pollock. Su periodo anterior al matrimonio está marcada por una pintura de formas geométricas y colores vivos, fuertemente contorneados de negro. Se aprecia una lejana influencia picassiana, un fuerte influjo en los collages de Matisse y una inspiración en el Neoplasticismo de Mondrian, pero que en ella adquiere un sentido más espontáneo, en la línea del “gesto automático” que defiende el Expresionismo Abstracto. Su segunda etapa adquiere un sentido más lírico, en el que su abstracción se diluye ahora en formas más suaves y redondeadas, y que incluso pierde parte de su abstracción en beneficio de formas vegetales más realistas, como ocurre con sus Series de la Tierra Verde que realiza sólo unos años después de morir su marido. Eso sí, sin perder nunca de vista el protagonismo del color, rotundo, vivo, palpitante.